Entrevista com Valesca Veiga, idealizadora e editora da revista o fermento

Imagem de capa: Valesca Veiga.

História, Organização & Autores

Talitha Motter Tu poderia contar um pouco sobre como surgiu a ideia da revista, quem eram as pessoas que participaram da criação? Quais eram os objetivos que vocês tinham pensado para o fermento?

Valesca Veiga O fermento nasceu, em 2018, de forma independente como um experimento, um exercício livre da crítica de arte, com o objetivo de divulgar e pensar as artes visuais no Brasil. Quando idealizei a revista, eu tinha concluído o meu mestrado em História da Arte e fiquei com vários textos e pesquisas em andamento, e não tinha muito o que fazer com eles. Fiquei com vontade de publicá-los, mas não sabia bem como. Eu não tinha, na verdade, elaborado um projeto específico para isso.

Fui fazer o “Laboratório de pesquisa e prática de escrita em arte”, da crítica e curadora Fernanda Lopes, no Parque Lage, para tentar encontrar uma finalidade para o material. Nesse laboratório, o grupo desenvolvia os textos individualmente, eram textos mais livres, mais sucintos, produzidos para um laboratório, uma oficina de texto mesmo. Tinha pessoas de várias áreas, poucas com a minha formação de jornalista e historiadora da arte, eram artistas, pessoas que já trabalhavam com curadoria, museólogos, designers, um curso bem plural. Fazendo esse laboratório, percebi que poderia traçar um caminho do meio entre uma produção acadêmica, que era o que eu tinha vivência dentro das artes visuais até aquele momento, e um texto que fosse mais leve, mais jornalístico propriamente dito. Percebi que podia trabalhar no meio dessas duas opções e desenvolver um texto crítico de qualidade, mas que não tivesse o peso de uma produção acadêmica, que fosse um texto que outras pessoas fora do meio de arte também pudessem ler. Então, eu comecei com essa ideia de publicar. Com o laboratório, eu já tinha vários textos produzidos e criei a revista nesse momento como um projeto piloto para uma publicação futura.

Na verdade, o fermento começou como um projeto piloto só comigo como idealizadora. Comecei a publicar alguns textos para sentir como o meio reagiria, até porque a gente percebe, hoje em dia, uma diminuição de veículos que trabalham com a crítica de qualidade. Como o esvaziamento da crítica veiculada nos jornais, a concentração da produção fica mais restrita ao meio acadêmico e a poucas publicações especializadas. Eu tive e ainda tenho a oportunidade de estudar com grandes críticos no meu percurso, e não vemos mais uma produção recente deles ser publicada fora da academia. Não há muitas publicações que invistam na crítica, como em outras épocas. A crítica atualmente está muito no âmbito da curadoria, o curador é o crítico. Então, a produção crítica fora do universo da curadoria é mais escassa. Claro que existem, apesar de poucas, algumas publicações já estabelecidas que cumprem bem esse papel e temos excelentes publicações acadêmicas no Brasil que ainda valorizam a crítica de arte, mas acredito que haja uma lacuna a ser explorada e esse foi um caminho que eu compreendi que seria interessante me inserir naquele momento. Então, comecei com esse projeto e, logo, fui agregando colaboradores que também acreditaram nele.

E a revista começou a ter uma certa repercussão principalmente com artistas e curadores. Os artistas sempre davam um feedback muito bom do que a gente produzia sobre as exposições. Num primeiro momento, a minha ideia era focar nas exposições que estavam em cartaz no Rio de Janeiro, de forma que fosse mais direcionado à resenha crítica mesmo, sendo que todas as exposições que a gente mencionava dentro do site eram visitadas. Não havia nenhuma que não fosse visitada, pelo menos algum dos colaboradores da equipe deveria ver a exposição. E a gente sempre discutia sobre a exibição antes de publicar. Então, o objetivo principal que era divulgar e pensar as artes visuais no Brasil, estaria encaminhado para o foco das exposições, de forma que houvesse esse exercício crítico ao mesmo tempo que se estava pensando a crítica propriamente dita dentro do panorama da exposição. Não sei se me fiz entender. O que foi muito interessante, porque nós nos abrimos para exposições, não só institucionais, mas exposições também de galerias, de mostras independentes, que não necessariamente… que podiam ser pequenas, podiam ser grandes, que estavam em discussão na mídia especializada ou não.

Então, como a gente teve esse cuidado de ter uma liberdade de escolha do que se queria falar, de uma forma independente, porque não se tinha… até hoje não temos, nenhum tipo de patrocínio. Eu ainda arco com todos os custos da revista. E o nosso caminho era o de justamente desenvolver um conteúdo, um público, de forma que fosse possível conseguir patrocínio, ou algum tipo de financiamento ou parceria. E aí veio a pandemia e adiou os planos. 2019 foi o ano com a melhor produção de conteúdo crítico da revista, porque a gente estava com um número maior de colaborações, e havia realmente mais perspectivas de conseguirmos esse patrocínio. E, houve essa questão do fechamento necessário das exposições durante boa parte de 2020 e uma retomada que aconteceu de forma tímida. Nesse momento, como nosso foco eram as exposições, a revista ficou mais parada.

A gente tentou alguns outros caminhos, até outros estilos de conteúdo, focando mais na forma de ensaios críticos. Mas a gente percebe que o ensaio é… Uma publicação só de produção de ensaios fica muito engessada, né? Você só produzir ensaios muito aprofundados sobre um artista, ou sobre uma produção, não seria o único caminho que se gostaria de seguir. Apesar da revista, de um tempo para cá, ter sempre algum ensaio crítico, porque esta forma de texto dá conta de questões que a resenha não permite desenvolver, muitas vezes.

Então, o fermento começou como esse projeto piloto que deu certo, e seguimos agregando colaboradores. A revista tem hoje quatro colaboradores, dois escrevem com mais frequência e dois são eventuais. Atualmente, estamos em busca de novos colaboradores: críticos, artistas e curadores que queiram participar da revista.

Como não há uma periodicidade definida, há mais flexibilidade para as colaborações. Lá em 2018, a gente tinha edições bimensais ou mensais, dependendo da demanda das exposições. Depois, a equipe passou a ter mais liberdade com isso também, de não ter um número. Se você perceber, o fermento não tem número. Os textos são publicados à medida que as coisas vão acontecendo, essa liberdade é possível por termos escolhido o formato digital. Como estamos focados em exposição, qual é o problema de se ter um número? Você sempre pode perder o timing, né? Ou você tem que começar a escrever com muita antecedência. Em muitos dos nossos textos há conversas com os artistas, temos essa relação mais próxima, por vezes, conversamos com o curador também. Então, em uma exposição de galeria que o período de duração seja um mês, um mês e meio, o tempo fica mais limitado para entrevistar o artista, passar por todo o processo desde produção do texto, do site e conteúdo das redes sociais, de forma que esse texto fique ainda no ar num tempo razoável para que as pessoas leiam, se interessem e vejam a exposição. Então, esse timing nem sempre você consegue agregar em um número, a não ser que você tenha uma produção diária num esquema já mais jornalístico mesmo, que você vai produzir aquele texto muito rápido só para dar conta de uma agenda de exposições, o que não é nosso objetivo. Então, a gente nunca teve preocupação com agenda. E eu percebo que hoje até as revistas com perfil mais crítico, para darem conta dos conteúdos voltados para as redes sociais, precisam se focar mais em agenda. Por exemplo, hoje está inaugurando tal exposição. Isso para o fermento não é relevante, porque ainda não fomos ver a exposição, como vamos anunciar uma exposição que está inaugurando e que não vimos? Que não sabemos do que se trata? Que não sabemos nem se ela tem conteúdo para ser publicada na revista? Foge do nosso perfil editorial porque publicamos textos sobre exposições visitadas. Então, desde o início, o fermento está desvinculada de agendas de exposições. Propomos uma pauta mais independente de agenda, tanto de eventos quanto de exposições em cartaz, no Rio ou em São Paulo. Propomos uma independência até nessa questão.

Então, começamos 2019 com uma produção mais frequente, agregando colaboradores com um perfil acadêmico robusto, interessados no tipo de conteúdo da revista. É bom que o colaborador tenha um trabalho de pesquisa, que seja uma pessoa que tenha esse hábito de trabalhar com pesquisa. A primeira colaboradora da revista foi a Ludimilla Fonseca, que precisou se dedicar ao mestrado e a importantes projetos curatoriais, e não tem podido colaborar recentemente. Hoje, a revista tem a Patricia Lattavo e o Paulo Couto, que são os dois colaboradores que escrevem com mais frequência. A Patricia é graduada em Literatura, com mestrado em História da Arte, e está terminando o doutorado na linha de pesquisa de Teoria e Crítica, do Programa de Literatura, Cultura e Contemporaneidade da PUC-Rio. O Paulo é sociólogo com mestrado em Arte, Cultura e Pensamento Social e faz doutorado na linha de pesquisa de Arte e Alteridade, do Programa de História da Arte da UERJ. Temos outros colaboradores eventuais de resenhas e ensaios.

É importante explicar que o que chamamos de “ensaio”, na verdade, tem um quê de artigo, mas não quisemos caracterizar como artigo para não remeter aos textos acadêmicos, que têm uma estrutura bem diferente. Porque, quando você fala em artigo numa revista de artes visuais, as pessoas logo visualizam um artigo acadêmico. Nossa revista não pretende ser próxima de uma publicação acadêmica. Existem revistas acadêmicas maravilhosas, a produção acadêmica é incrível, e a gente não precisa dividir esse espaço com a academia. Não é o nosso objetivo.

Nosso objetivo também é o de levar conteúdo a um público que tenha interesse em arte e que não necessariamente seja do meio de arte, o que é um grande desafio. Hoje esse desafio de romper os limites do meio é enorme, porque, quando você escreve sobre arte, normalmente, o teu público é o meio que está envolvido com arte, quem trabalha com arte e quem estuda arte, né? Agora aquele público que é interessado em artes visuais, que pode ser desde um frequentador de exposições, assíduo ou eventual, até um potencial comprador de obras, mas que não está inserido no meio de arte, esse é mais difícil de se chegar. É interessante isso, pois esse caminho do meio que a gente quis traçar, sempre foi focando também nesse alvo, que é um público que quer um conteúdo especializado, mas não quer um conteúdo de peso acadêmico. E chegar nesse público é um pouco mais difícil, principalmente, quando a gente fala de arte contemporânea, né? Então, quando pensamos em arte contemporânea para todos, precisamos entender como quebrar essa barreira de ter um público mais diversificado, mais amplo. Eu acho que essa é uma questão bem mais abrangente que transborda os limites da comunicação, uma discussão para os grandes teóricos e críticos discutirem, trazendo o debate para fora da academia. Pensar em porque o público, muitas vezes, se sente desconfortável e até impedido de estar nos espaços da arte contemporânea. O porquê dessa distância. Essa é uma discussão muito complexa, mas que precisa ser enfrentada.

Talitha Motter Na verdade, eu acho muito interessante esse papel que a revista o fermento assumiu de trazer essa ideia da crítica de arte vinculada às exposições, no sentido que, por exemplo, se a gente pega a crítica de arte nos salões franceses era um pouco isso de tu visitar e informar o público daquelas obras a partir de comentários, e de como uma revista está vinculada com a ideia de estabelecer essa comunicação com o público. Agora mesmo tu disse: como é difícil se comunicar com um público que não é exatamente aquele mais especializado da arte. E a crítica, na verdade, nasceu um pouco desse desejo e talvez isso tenha se perdido em algum momento. E é bem interessante isso que tu comentou em relação ao ensaio, de como ele se distancia dessa questão do artigo mais acadêmico; e em relação a não trabalhar a partir de números, porque justamente as exposições não são números, as exposições estão ali e tu tem que trabalhar a partir desse tempo. Enfim, eu não sei se tu poderia, voltando um pouco nessa ideia da criação da o fermento, comentar como foi a escolha do nome da revista.

Valesca Veiga Sempre que eu me deparava com a palavra “fomentar”, fomentar a pesquisa, fomentar o desenvolvimento das artes etc., na verdade, essa palavra “fomentar” me trazia a ideia de fermentação mesmo. Uma fermentação de ideias que começam muito pequenas e muito embrionárias, como foi a ideia inicial do projeto. Um projeto totalmente despretensioso que não tinha… não tinha nenhuma pretensão mesmo, de que chegasse mais longe como chegou. Essa ideia da fermentação, de ampliação, pode ser trazida para o pensamento, não só o pensamento crítico, mas o pensamento livre.

Você olhar para aquela exposição, você olhar para aquela produção daquele artista, e você ter uma liberdade de ampliar o pensamento, não só ficando em torno do pensamento histórico, dentro da História da Arte, mas ampliar a análise para um pensamento estético mais livre, com outras referências. Isso é uma coisa tão difícil hoje, porque a gente sempre está atrelado a tudo o que todo mundo falou, né? Tudo o que já falaram sobre aquele artista. Então, você tem que, na verdade, pesquisar sobre tudo o que foi falado. E esse exercício de você ver ou até de você estar numa exposição, conversar com o artista, ou fazer entrevista… e ter uma outra perspectiva, sem se preocupar muito sobre o que já falaram… é dessa liberdade que me refiro também. Temos colaborador que prefere sempre conversar com o artista antes de escrever. Acho que essa iniciativa permite que se penetre mais o pensamento do artista, não se preocupando tanto com o que já se escreveu sobre ele. Como um experimento, a gente se dá essa liberdade de escrever assim.

Mas hoje se criou uma questão em relação às redes sociais, de uma produção de conteúdo diário, que se você observar abarcou todo mundo. Todos têm que produzir um material diário para ter engajamento e visibilidade do público. O que se faz é ter uma pessoa ou uma equipe exclusivamente para a produção desse conteúdo de forma ágil, transmitindo uma ideia concisa sobre aquilo que se quer falar, muitas vezes sobre assuntos pouco relevantes apenas para preencher aquele espaço, o que vai um pouco de encontro com o que a gente idealizou no início. Essa questão é um paradoxo em relação ao processo de pesquisa e com a própria crítica.

No início de 2020, diante desse cenário todo, exposições canceladas, projetos interrompidos, falta de perspectiva futura, eu pensei em congelar o projeto. E nas duas vezes que eu pensei seriamente em pausá-lo, foram os próprios artistas que me fizeram pensar diferente, nem sabendo sobre a minha intenção. Lembro de uma dessas vezes que recebemos uma mensagem de um artista, que já tem uma trajetória bem consolidada, referente ao que escrevemos sobre o trabalho dele: “Estava relendo o texto e queria dizer que nunca escreveram sobre a minha obra com esse olhar”. Conseguimos ver algo naquele artista e em seu trabalho que os muitos textos escritos sobre ele não tinham percebido, o que me fez ver que podíamos continuar tentando por mais um tempo.

Quando você fala que acha interessante o foco nas exposições, sempre vi nesse caminho editorial um diferencial, porque como a gente só escrevia sobre as exposições, os leitores sabiam que era uma mostra visitada. Então, ela passou pelo nosso olhar, e se essa exposição tem robustez para um texto crítico, pode gerar o interesse do leitor dando uma visibilidade maior para o trabalho do artista, principalmente quando ele está em início de carreira ou não é tão conhecido fora do meio, o que para ele é bom e para a revista também.

Quando se tem a possibilidade de desenvolver um pensamento através de um texto crítico que vai gerar no outro a vontade de ver aquela exposição, ou o interesse em conhecer e pesquisar, esse é um dos nossos intuitos. Se eu conseguir despertar no outro um interesse por aquele trabalho que eu entendo que valha a pena, que gere reflexão no espectador ao se deparar com ele, e aí eu não estou entrando no mérito do julgamento, apenas se o trabalho vai trazer algum tipo de impacto e reflexão relevante ao pensar sobre ele, sobre seu conceito, sua história, seu processo, já valeu o texto. Isso também faz parte do nosso objetivo e reforça a ideia de foco na exposição.

Além disso, há o caráter de documentação da crítica das exposições. O fermento também tem esse objetivo de documentar. A partir do momento que você tem ali todos os textos arquivados no site, que são abertos ao público, com uma variedade grande de artistas de quem já se falou, essa documentação passa a ser uma referência também para outros pesquisadores que querem saber mais sobre um trabalho, um artista, uma curadoria.

E essa documentação se amplia quando incluímos as exposições em galerias de arte. A galeria é um lugar que não é habitado por todos. É diferente do museu, que é um espaço mais inclusivo, mais democrático. Ainda assim, no Brasil, muitas pessoas nem entram no museu, gostariam até de entrar, mas têm essa dificuldade, talvez por não se sentirem incluídos, e com a galeria esse tipo de pensamento é muito mais forte. A partir do momento que você está falando sobre a exposição na galeria, sobre aquele artista que está expondo um trabalho superinteressante, que naquele momento está dentro da galeria, e não dentro de outra instituição, por que não escrever sobre isso? Eu lembro de uma exposição que foi uma das primeiras que a gente escreveu em o fermento, sobre um conjunto de trabalhos do artista Rodrigo Braga, na galeria Anita Schwartz. Ele fez uma intervenção, em que ficou acho que um mês trabalhando dentro da galeria, desenvolvendo os trabalhos naquele espaço. A exposição foi se construindo dentro da galeria nesse período de tempo. Isso é uma experiência bem única, uma experiência que não acontece toda hora. E ele foi para dentro da galeria e começou a pensar o que ia criar ali, foi desenvolvendo o trabalho, fez as performances, as ações com o próprio corpo, a sessão de fotos. E esta exposição foi muito interessante. Uma das boas exposições dos últimos tempos. Então, por que não passar para o público essa experiência de uma intervenção dentro do universo de uma galeria, que é completamente diferente de um ambiente institucional? Mas que foi superoriginal, foi um trabalho único e tivemos a oportunidade de conversar com ele, de entender como foi o processo de construção daquela produção. Em alguns trabalhos, ele usou o próprio sangue misturado aos pigmentos de tinta. É fundamental compreender o processo para entender a dimensão do trabalho. Tomara que tenhamos conseguido levar pessoas para essa exposição. É como eu te falei: as galerias têm exposições de curta duração, diferentemente das instituições, museus e centros culturais, onde as mostras ficam um período maior, às vezes, até mais do que três meses. Então, você tem um tempo de elaborar aquele texto e publicar, e um tempo de divulgar com intuito de levar as pessoas àquela exibição. Lembrei desse texto, porque eu achei muito original esse trabalho na galeria, ele fez outros trabalhos muito interessantes, mais performáticos etc., mas esse dentro cubo branco foi questionador e impactante, forte. Por que não levar essa emoção ao público e incentivá-lo a conhecer esse espaço da arte também importante?

Agora a gente não sabe ainda até que ponto as pessoas estão voltando a ver as exposições. Essa semana tem a ArtRio. Acho que as feiras são muito importantes, porque se você pensar que há todo um acervo de artistas brasileiros que não se vê, que não está necessariamente disponível nas instituições… como na Europa, nos Estados Unidos, onde você tem museus com aquele acervo todo disponível. Aqui a gente não tem tanto como lá. Muitos bons trabalhos de tantos artistas estão em acervos privados de colecionadores. Tem um número grande de artistas dos anos 1960 e 1970 nas feiras de arte. Alguns trabalhos que estão sendo vendidos que não se encontra facilmente nas instituições, além de jovens artistas que também são apresentados nas feiras, artistas fora do eixo Rio-São Paulo etc. Então, acho que a feira é uma grande exposição para o público em geral. A finalidade é primeiramente comercial, mas isso não tira a oportunidade do público interessado em arte de ter contato com todo aquele acervo que, muitas vezes, não se vê com frequência. Essa semana eu ainda me questionei sobre isso: “Será que vai ter público? Será que as pessoas vão estar lá?” A gente está com essa variante Delta aí, mas uma parte grande da população já está vacinada no Rio e vão exigir passaporte de vacinação para entrar, o que deixa o evento mais seguro.

Rio de Janeiro — Montréal, 7 sept. 2021.

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