Entrevista com Valesca Veiga, idealizadora e editora da revista o fermento

Imagem de capa: Valesca Veiga.

Conteúdo & Ideias de Revista

Talitha Motter Eu concordo contigo, acho que é um excelente momento para se ver obras que a gente não tem contato. E eu gostei que tu citou o texto do Rodrigo Braga, porque eu estava lendo ele ontem, o que me fez pensar um pouco também sobre… eu acho que eu já tinha te comentado sobre essa relação entre a revista e a atualidade. Vocês trabalham com exposições, então, essa questão do contexto, do que está acontecendo no mundo da arte, está ali presente, mas, às vezes, quando se trata de um artista que trabalha com um assunto relacionado com o contexto do país, esse tema da atualidade acaba vindo também. E, nesse texto, acho que tu comentou que o Rodrigo Braga tinha mencionado que ele estava totalmente perplexo com esse momento de polarização que a gente está vivendo. Essa questão de trazer o artista que está pensando o contexto do país acaba novamente trazendo esse link da revista com a atualidade.

Eu achei muito interessante todo esse processo de elaboração dos textos, envolvendo a visita na exposição, a fala com o curador, a fala com o artista, envolvendo mesmo discussões entre vocês. Não sei se tu poderia comentar como são essas conversas entre os colaboradores para pensar o texto, ou para decidir a exposição que vocês vão ir.

Valesca Veiga Olha, depende muito da exposição, mas normalmente a gente sempre conversa, eu e os colaboradores. Às vezes, sugiro a pauta. Muitas vezes, eles também sugerem a pauta. E há uma conversa anterior à visita, estabelecendo alguns pontos que sejam interessantes de observar ou trazer para a discussão crítica, principalmente quando já é um artista que se conhece bastante, levantamos algumas questões para serem pensadas ao vermos a exposição. Às vezes, são artistas que conhecemos muito pouco e quem escreve vai conhecer o trabalho mais in loco mesmo, e a partir daí pesquisar mais, fazer entrevistas etc.

Uns eventos muito interessantes, que a gente participa bastante, são essas conversas de artistas que são programadas ao longo do período de exibição das exposições. De uns anos para cá, isso ficou muito comum. Muitas vezes, essas conversas trazem muitos elementos para serem desenvolvidos nos textos. Sempre que tem uma conversa dessas, a gente tenta participar, pelo menos um de nós tenta participar, porque na conversa, que normalmente acontece entre artistas e curadores, são colocadas questões pelo próprio público, questões interessantes sobre o trabalho. Isso é muito enriquecedor, questões que talvez a gente não tivesse pensado antes. Ver essa visão do outro também nos ajuda a montar a nossa estruturação de texto, porque vamos falar para o outro, não vamos escrever o texto para nós mesmos. Também conversamos diretamente com o artista quando achamos necessário, quando o trabalho do artista é mais complexo, um trabalho muito subjetivo, quando é interessante até para o desenvolvimento do nosso pensamento compreender um pouco mais sobre os processos do artista, como está se colocando ali naquele espaço e como ele está pensando e vendo o próprio trabalho. Essas discussões abrem outras portas de percepção sobre a obra. Então, eu acho que essa parceria com os artistas é muito relevante para a revista e para a qualidade dos textos propostos.

Então, tem essa questão que eu acho que é muito interessante no nosso projeto, que é a questão do embate com a obra. Como nós vamos à exposição como espectadores também… nós vamos para desenvolver um pensamento crítico, mas nós somos espectadores. Nós somos impactados. Aquele embate com a obra, eu sinto que ele tem uma influência enorme, obviamente, no texto que a gente está desenvolvendo, você não está fazendo um texto em cima de fotografia, ou de uma projeção. Então, hoje quando a gente tem todas essas exposições virtuais, a gente fica se perguntando, o que eu acho que é a grande questão: e o enfrentamento da obra? E essa emoção de você estar diante da obra e daquela obra estar te dizendo alguma coisa que talvez uma imagem reproduzida não possa dizer? Eu não sei dar essa resposta. Mas é um assunto que penso frequentemente.

Inclusive, demos espaço, um tempo atrás, para uma exposição virtual que ficou dentro do site de o fermento. Na verdade, não era uma exposição concreta, era o estudo de uma exposição de uma turma de expografia que tinha vários artistas. Montaram uma exposição e me apresentaram esse material. O que achei bem interessante foi justamente que o grupo que se formou teve que trabalhar virtualmente durante a pandemia. Então, as aulas foram virtuais, os trabalhos que eles fizeram foram projetos para uma exposição que não aconteceu, porque não poderia acontecer. Além disso, o espaço expositivo deixou de existir, então o projeto expográfico tinha sido concebido para um espaço que já não existia. Foi tudo no campo virtual e projetivo, não tinha nada presencial, nem os encontros deles eram presenciais. Eu achei isso tão interessante, porque o processo foi virtual do começo ao fim, em todos os sentidos. Demos espaço para eles na revista, justamente com o intuito de trazer essa reflexão sobre exposições virtuais. Se pensarmos também que muitos críticos do passado escreviam por livro e por fotografia… Você não tinha condição de estar em todos os lugares e você desenvolvia um pensamento sobre aquele artista por documentos, que é o trabalho também do historiador. Ele não está vendo, ele está estudando por documentos, por imagens, enfim. Penso que temos que nos adaptar a esse mundo virtual também dessa forma.

Eu tenho uma ligação muito grande com a matéria, com a materialidade dos trabalhos. Até na minha dissertação de mestrado, dediquei uma parte grande à questão do pensamento filosófico em torno da matéria e das escolhas que a matéria traz para o artista. Uma coisa que eu faço, quando eu vou ver uma obra que eu só posso ver pela tela, eu aproximo muito. Eu dou muito zoom em todas as direções, sabe? Aproximo muito para tentar ver ali qual é… como é que aquela matéria foi colocada ali. Se for uma pintura, se a camada está grossa, se a tinta… como é que é a tinta? Se se vê a pincelada, se não vê. Porque uma coisa é você ver uma imagem, principalmente no celular, muito distante e outra coisa é você tentar aprofundar aquele olhar. Você não está diante daquilo, é complexo. Nesse sentido, a matéria pode não ser exatamente aquilo que você viu, porque depende de outros fatores como a qualidade da imagem e a intensidade da luz. Mas eu faço muito isso, eu aproximo muito, eu fico olhando os pequenos detalhes. Outra questão bem complicada que é a escala da obra. Eu acho que, quando você está na exposição presencialmente, a escala do trabalho pode falar muito. Enfim, todas as nossas percepções são diferentes se você vê um trabalho de 3 metros e um outro de 30 centímetros. Quando você está vendo a imagem pela tela do computador, tanto aquele de 3 metros como o de 30 centímetros estão do mesmo tamanho. Toda essa discussão não se sabe onde vai levar. Vai levar para algum lugar, sem dúvida, porque o digital não tem mais volta. As exposições ditas virtuais vão continuar existindo.

E aí, se o nosso projeto começou no embate com a obra, na análise presencial com aquela exposição, onde é que ele vai se encaixar nesse universo virtual? Eu não sei ainda, porque as exposições presenciais vão continuar, elas precisam continuar, né? Mas a gente vai entrar mais a fundo nas exposições virtuais? Sim, podemos entrar. Tem vários… tem várias ações que estão acontecendo virtualmente, por exemplo, aquelas… não sei se você viu as ações do Nuno Ramos, que aconteceram agora recentemente. Ele fez um conjunto de ações que só se via virtualmente pelo YouTube. Quer dizer, uma mudança, e é um artista que também opera muito com a materialidade dos trabalhos. E ele desenvolveu um trabalho totalmente exposto virtualmente. Enfim, nós também vamos criar essa capacidade de escrever mais sobre as exposições virtuais. O trabalho crítico vai se adaptando.

Talitha Motter Eu acho que essa discussão, ela é bem interessante até em relação à questão mesmo da publicação digital. Se a revista nasce com esse propósito de trabalhar as exposições físicas, ao mesmo tempo a revista em si ela é digital.

Valesca Veiga É, de certa forma, contraditório.

Talitha Motter E tem toda essa mudança de paradigma de passagem do impresso para o digital, e como isso conversa também com essa questão das exposições.

Valesca Veiga É interessante. Uma coisa que, desde o início, a revista foi idealizada para ser só digital. As pessoas até perguntavam: “Ah, mas você tem alguma perspectiva de imprimir?” Em nenhum momento, porque, justamente, a ideia é a divulgação das exposições, do que está acontecendo em curto espaço de tempo. Você não tem o timing para fazer uma publicação impressa. Acontece muito que a revista sai e a exposição já passou, fica ali aquela documentação, claro. Mas é muito mais em função de se divulgar de uma forma mais eficiente. E também por ser um projeto independente, num primeiro momento, sem nenhum tipo de patrocínio. Então, nem cogitei a forma impressa. Isso me foi muito questionado no início, e achei interessante como as pessoas só conseguem visualizar uma revista de artes visuais no papel. Ainda tem esse tipo de pensamento, mas acredito que essa visão tenha mudado bastante, principalmente depois da pandemia, que legitimou a comunicação digital/virtual de uma forma única. É um caminho realmente sem volta.

Talitha Motter Exatamente! Esse é um pouco o interesse da minha pesquisa: ver como a revista de arte se materializa também no digital, mantendo um diálogo com esse formato impresso, mas também explorando outras coisas, que nem quando tu disse que a o fermento permite essa publicação de um texto a cada vez. É uma coisa que a revista impressa já não permitiria. Teria que fazer folhetos, seria uma outra estrutura. Só para voltar ao ponto que tu falou, que eu achei muito interessante, sobre aumentar a imagem para ver a matéria. Isso também é uma outra relação que o digital permite. Claro que nada é a mesma coisa do que tu poder ir lá ver a obra ao vivo. Mas como o digital também permite outras interações.

Valesca Veiga É verdade.

Talitha Motter E uma outra pergunta, tu comentaste já algumas seções da revista, por exemplo, os “ensaios”, as “resenhas”, até mesmo a exposição virtual, e eu vi também que vocês chegaram a fazer alguns “dossiês”. Também existe uma parte chamada “exposições”, que eu não sei se são releases, ou como esses textos são produzidos. Tu poderia comentar um pouco?

Valesca Veiga Basicamente, trabalhamos com três tipos de texto. Na seção “Exposições”, trabalhamos com um texto mais jornalístico mesmo a que damos o nome de “informativo”. As mostras são visitadas e divulgadas de forma mais sucinta, sem preocupação com o desenvolvimento de uma análise crítica dos trabalhos expostos. Uma apresentação curta com as informações principais, destaques, dados sobre curadoria e montagem. Os informativos têm o intuito de divulgar exposições que indicamos ao público.

Dessas exposições visitadas, escolhemos as mais propícias para renderem resenhas críticas, que são o segundo tipo de texto da revista. No início do projeto, nós fazíamos alguns textos da seção “Exposições” como introdutórios às resenhas. Depois, passamos a ter os textos da seção “Exposições” desvinculados das resenhas. A resenha crítica é onde produzimos a análise efetivamente crítica da exposição e do trabalho do(s) artista(s) apresentado(s), com o foco nas obras que estão sendo exibidas, além de menções sobre curadoria e montagem, quando relevantes.

Com o tempo, passamos a desenvolver ensaios críticos. No ensaio crítico, ampliamos a análise crítica das questões trazidas na exposição, aprofundando as conexões com outros momentos da carreira do artista. Os ensaios acabam se aproximando de um formato mais formal, com um tom mais acadêmico. Mas também podem ser mais livres de acordo com o assunto.

Como trabalhamos com colaboração não remunerada, dependemos muito da disponibilidade das pessoas. Do meio de 2019 para cá, foi ficando cada vez mais difícil dos colaboradores terem a disponibilidade necessária. Encurtamos esse texto informativo, que deixa de ser introdutório e passamos a divulgar os links diretos para as resenhas e ensaios. Com essas dificuldades, a seção ficou mais esvaziada. Mas estão lá documentadas exposições que tiveram destaque.

O formato “Dossiê” foi criado no tempo da pandemia, justamente nessa lacuna de não se ter exposições para visitar. Nossa equipe compôs um conjunto de ensaios críticos, com referência a exposições que tinham acontecido recentemente, com um foco mais intenso na obra e no legado dos artistas. Por exemplo, o primeiro dossiê que a gente fez, que foi o dossiê de arte pop, a exposição da Wanda Pimentel, no MAM-Rio, tinha ficado pouco tempo em cartaz e estava mantida no cronograma de reabertura do museu. E já fazia parte da nossa pauta. Raymundo Colares teve uma retrospectiva em Belo Horizonte que vimos, que também tinha acabado de terminar. E a Tate Modern, em Londres, estava fazendo uma grande panorâmica individual do Andy Warhol, que tinha sido interrompida na semana de estreia por conta da pandemia, tendo a OVR (online viewing room) disponibilizada durante o tempo em que o museu estava fechado. Foi o primeiro texto que a gente escreveu de uma exposição internacional, fugindo um pouco do nosso perfil editorial, por falarmos de uma exposição não visitada, mas por conhecermos bem a obra do artista pessoalmente em outras oportunidades e por se tratar de uma retrospectiva, achei que estava habilitada a escrever sobre a obra e sobre a exposição, que foi vista por vídeos, fotografia e visita guiada no site da instituição. A gente estuda muito arte pop. Então, me senti confortável de incluir o Andy Warhol, até porque foi uma das maiores exposições que ele já teve. Quando a gente lançou o dossiê, a exposição dele tinha acabado de ser reaberta. Então, era uma exposição super atual que estava sendo muito comentada mundo a fora. O dossiê, na verdade, foi um tipo de experimento. Gostamos muito do formato e de como abordamos esses artistas, reunindo discussões em torno do tema da pop arte nos EUA e como os artistas ligados a estética pop no Brasil tiveram características muito diversas da americana em seus trabalhos e processos. Também fizemos o dossiê de 100 anos da Lygia Clark , que também veio para preencher essa lacuna das exposições, mas também indo contra a nossa ideia inicial de somente publicarmos sobre exposições visitadas. Não havia nenhuma exposição sobre a Lygia Clark acontecendo, mas não podíamos deixar passar o centenário dessa grande artista, fundamental na história da arte brasileira. Foram experimentos que a gente fez e que na verdade não estavam muito dentro do nosso perfil, mas aí eu me pergunto: a gente precisa ter um perfil tão engessado também? Não, a gente tem que ir se adaptando ao momento. E a pandemia trouxe essa necessidade de se repensar formatos e estruturas.

Talitha Motter Esses dois dossiês mostram algo que me parece presente na revista que é o estabelecimento de relações entre a arte atual brasileira e a história da arte contemporânea nos anos 1960 e 1970. Eu acho que vocês trataram, com esses dossiês, de momentos muito cruciais da história da arte brasileira, o que dialoga com os textos que vocês vêm produzindo. Isso acaba dialogando com a questão de tentar ver as referências que a produção artística atual estabelece com essa história.

Valesca Veiga Com certeza, e a ideia do “dossiê” era justamente essa, dar um caráter mais de história da arte mesmo. A gente está discutindo ali temas já muito discutidos, mas com a nossa visão, com a nossa ótica, tanto que, por exemplo, no dossiê da Lygia, a gente fez ali uma analogia com o Willys de Castro. Trouxemos o Willys de Castro para dentro da conversa, que é um tremendo artista, mas que nem é tão falado atualmente.

Então, hoje fazer uma produção diária só para ocupar uma rede social e dizer que estamos postando alguma coisa para manter o engajamento não me parece coerente com o que foi construído nesses últimos anos. Mas é o momento. Você só tem visibilidade na rede social, se você postar muito. Se você posta uma vez ou outra, aquele público que está sempre ali não consegue te ver mais. Quanto mais conteúdo você coloca, mais relevância as plataformas veem em você. Quanto mais relevância, mais ela joga para o teu público. O momento atual é para perguntar o que a gente vai fazer? Vai conseguir chegar num meio termo? Acho que o caminho mais uma vez é o equilíbrio alimentando tanto esse lado da necessidade de se estar produzindo mais conteúdo para essa demanda atual e não deixar a qualidade do trabalho crítico em si ser abalada por isso, que é o que a gente vem construindo esses anos. Então, você tem aí dois tipos de elaboração de texto, mas que eles sejam na verdade parceiros e não conflitantes. Tem que estar tudo costurado nessa lógica da revista, nessa lógica editorial.

Rio de Janeiro — Montréal, 7 sept. 2021.

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